Commissariat : François Cheval et Yasmine Chemali

Exposition réalisée en partenariat avec le Harold Feinstein Photography Trust.

Cette exposition fait partie de la programmation des Rencontres d’Arles dans le cadre du Grand Arles Express.

Harold Feinstein ne peut se réduire à une série. Mais pour ce natif de Coney Island, cette « terre sans ombres » restera avant tout le terrain d’une pratique photographique, et surtout la parfaite illustration d’une vision de la société américaine. Il n’est pas de contemplation « pure » dans ces images, il s’agit avant tout d’une disposition éthique, d’une esthétique du banal. Tout cela compose, in fine, un ensemble, un grand roman musical au milieu des bouleversements de la société américaine, avec la Grande Dépression, l’exacerbation du problème racial, le maccarthysme, etc.

C’est là, en 1952, mobilisé par l’armée, que le jeune Harold Feinstein se retrouve dans le corps expéditionnaire américain en Corée. La forme qu’Harold Feinstein expérimente dans le récit coréen consiste à faire se rejoindre le quotidien et l’art du blues. Il écrit une histoire tout en nuances de gris et en contrastes délicats. Le rythme lent, les sonorités sourdes, tout cela donne une extrême consistance à une série faite d’appropriation sensible et d’abandon du modèle au désir du photographe.

De retour aux États-Unis, Harold Feinstein s’établit au Jazz Loft, à New York, où il rencontre les musiciens Hall Overton et Dick Cary. De cette période date sa collaboration avec le label Blue Note Records. Il fait alors la connaissance, essentielle pour lui, du photographe W. Eugene Smith, avec qui il collabore sur la maquette du Pittsburgh Project.

C’est cette vision du monde d’une photographie engagée au profit d’une humanité rassemblée que le photographe va vouloir transmettre. Sa démarche est d’une certaine manière proche de celle de la street photography. Ses images réalisées dans le métro, dans les rues de New York saisies avec tous leurs détails, ne forment qu’une seule pensée. Les mondes narratifs se déroulent, mais l’œuvre est une. Harold Feinstein introduit une tension singulière dans l’esthétique narrative entre les accidents et les effets de miroir ; l’œuvre est une totalité qui s’impose comme une pensée présente et tient par son propre style plus que par son sujet.

Biographie Harold Feinstein (1931-2015) 

Né en 1931 à Coney Island, dans l’État de New York, de parents immigrés juifs, Harold Feinstein commence la photographie en 1946, à l’âge de quinze ans, Rolleiflex à la main. À seize ans, il quitte l’école, et, l’année suivante, en 1948, il devient le plus jeune membre de la Photo League, aux côtés de Sid Grossman. Rapidement, quelques-unes de ses photographies intègrent la collection permanente du Museum of Modern Art (MoMA, New York) à l’initiative d’Edward Steichen. C’est à partir de 1954 qu’il expose son travail, lors d’expositions collectives (Whitney Museum of American Art, MoMA) et personnelles (George Eastman House, Limelight Gallery).

Reconnu comme une figure importante de l’avant-garde artistique new-yorkaise pour ses photographies de rue, Harold Feinstein est mobilisé dans l’infanterie pour servir en Corée (1952). À son retour, il s’établit au Jazz Loft, conçoit des jaquettes pour les labels Blue Note Records et Signal Records et rencontre W. Eugene Smith, avec qui il collabore sur la maquette du Pittsburgh Project. 

Harold Feinstein poursuit son œuvre sur près de six décennies avec Coney Island comme territoire de prédilection, tout en dressant le portrait d’une Amérique multiple, proche des gens et joyeuse. Le photographe sera aussi enseignant – notamment à la Annenberg School for Communication, à Philadelphie. Sa pédagogie et sa philosophie, au service de la vision plutôt que de la technique, auront marqué une génération. 

Ses photographies font partie de prestigieuses collections privées et de collections de grands musées américains (MoMA, International Center of Photography, New York City Museum, The Jewish Museum, etc.).

© Harold Feinstein
Viva Puerto Rico
1978
Harold Feinstein Photography Trust, CI-049

Commissariat : Jérôme Sother, François Cheval et Yasmine Chemali

Exposition coproduite avec Le Centre d’Art GwinZegal, Guingamp

Cette exposition fait partie de la programmation des Rencontres d’Arles dans le cadre du Grand Arles Express.

L’œuvre forte de plusieurs séries, désormais « historiques », nous plonge dans l’atmosphère de l’Angleterre thatchérienne et post-thatchérienne. Depuis longtemps déjà, un vent mauvais avait commencé à souffler sur Liverpool. Et, au moment où Tom Wood intervient, il souffle encore, brutal. Une suite d’événements, comme la fermeture des chantiers navals, qui en s’ajoutant et se répétant, dresse un tableau cohérent d’un univers particulier, d’une époque, une guerre de classe, dont il ne restera bientôt plus que quelques traces et des portraits d’une rare noblesse, des portraits débarrassés du pathos héroïque. Il n’a jamais été facile pour la photographie de sortir de l’héroïsation. À trop vouloir ériger en attitudes allégoriques, donc irréelles, la condition humaine, la photographie a parfois instrumentalisé le malheur et les peines. Elle a, de fait, sous-évalué les singularités, souvent plus porteuses de sens. Dans la volonté d’affirmer des principes photographiques, vouloir contracter une alliance « morale » avec une communauté de « petites gens », avec « le petit peuple », relève encore du défi et même de la provocation. Ce défi, Tom Wood l’a relevé sans discontinuité libérant l’empathie photographique du purgatoire où elle végétait.

Biographie

L’Irlandais Tom Wood (né en 1951) prend des photographies presque tous les jours. Après avoir étudié les beaux-arts à l’école polytechnique de Leicester de 1973 à 1976, il s’installe avec sa famille dans le Merseyside en 1978. Fasciné par le cinéma expérimental, il prend alors le parti de la photographie qu’il découvre seul. Un autodidacte donc qui restera fidèle à la chimie, au papier et à la chambre noire, un expérimentateur forcené de la technique, de la plus simple à la plus élaborée (du film périmé au panoramique).
C’est muni d’un Leica 35 qu’il arpente Liverpool et les rives de la Mersey entre 1978 et 2001 et prend le parti de dresser un portrait de la ville et de ses habitants : rues, pubs, clubs, marchés, chantiers, parcs ou encore stades de football. Ce portrait sans arrière-pensées des couches populaires au milieu des grandes friches industrielles et des terrains vagues configure un œuvre sans égal dans la photographie contemporaine.

Le travail de Tom Wood a fait l’objet de plusieurs expositions personnelles. En France, il a été montré dans des festivals, dans le cadre de la Galerie Sit Down ou encore au Centre photographique GwinZegal de Guingamp (2012) et au Château d’Eau à Toulouse (2005). Ses œuvres ont rejoint les collections du MoMA et de l’ICP à New York, de l’Art Institute of Chicago et du Victoria & Albert Museum à Londres. En 2002, Tom Wood a reçu le « Prix Dialogue de l’Humanité » aux Rencontres d’Arles.

Commissariat : François Cheval et Yasmine Chemali

À travers le prisme du hasard, nous abordons, pour la troisième exposition du Centre de la photographie de Mougins, une relation à l’inattendu et cette recherche de l’équilibre ténue entre maîtrise et lâcher prise, sans cesse remise en jeu par les photographes. 

Qui de mieux placés que l’artiste japonaise Yuki Onodera ou que le photographe chinois Li Lang pour nous plonger au sein d’une œuvre en devenir ?

Déjà au temps de Pline l’Ancien, l’idée de hasard est associée à l’acte créateur. Dans sa démarche, Li Lang (né en 1969, Chengdu) laisse pénétrer l’imprévisible dans la capture de l’image et provoque l’accident par un jeu de questions a priori hors de propos. L’histoire se forme : une image par minute, 958 au total, à bord d’un train à grande vitesse, en parcourant 4600 km et presque autant de récits enregistrés de bénévoles chinois.

Hasard accidentel. Hasard heureux. Hasards organisés. Yuki Onodera (née en 1962, Tokyo) donne à voir, à l’aide d’un cadrage précis, une réalité tangible, qui n’a rien de réel. Avec sa série Darkside of the Moon, elle invite (ou impose ?) une temporalité autre dans un territoire fluide – celui d’un carré, figure contraire à l’ordre des choses ou manifestation du suprématisme de l’Homme sur la nature.

Li Lang comme Yuki Onodera nous rappellent, à chaque geste, à chaque tirage, la relation que nous avons au monde. Ils nous redisent que « nous disposons de moyens modernes pour tout voir, tout appréhender, mais [qu’] en fait, nous ne voyons rien ». (Sophie Riestelhueber dans son commentaire sur l’Élevage de poussière de Marcel Duchamp et de Man Ray).

Né à Chengdu en Chine dans la province du Sichuan en 1969, Li Lang débute sa carrière de photographe en 1990. Il vit et travaille actuellement à Chengdu.
À travers ses images, Li Lang a souvent exploré l’humanité et les désirs. La photographie sert de déclencheur pour le réveil d’un soi longtemps réprimé.
Il saisit les faits réels avec calme et précision. Il s’inspire et inclut dans son travail l’expérience de vie des autres, dans le but d’obtenir une expérience existentielle plus diversifiée de nous-mêmes, des autres et de la vie. Li Lang crée une relation, intangible, entre les gens et la photographie, et nous fait réfléchir à la relation entre la modernité et la photographie.
Li Lang a remporté le Punctum Award au festival de photographie de Lianzhou (Chine, 2019) ainsi que le prix spécial du jury, Lianzhou Foto Festival (2015). En 1998, il recevait la « médaille d’excellence Mother Jones » et le Prix pour le Fonds International Mother Jones pour la photographie documentaire (San Francisco). Ses œuvres ont été collectionnées par de nombreuses institutions dont le San Francisco Museum of Modern Art (États-Unis), le Shanghai Art Museum (Chine), l’Instituto Valenciano de Arte Moderno (Espagne), le Guangdong Museum of Art (Chine), LUXELAKES- A4 Art Museum (Chengdu, Chine), ou encore la White Rabbit Gallery (Sydney, Australie).
Il expose pour la première fois en France au Centre de la photographie de Mougins.